Modernismo
Brasileño,
Tres momentos en la historia literaria del Brasil
por Fabián Banga (11-29-03)
A
Benedito Nunes, por su generosidad
abstracto
A
nosotros los argentinos nos ha tocado vivir un fenómeno curioso
y al mismo tiempo desfavorable, que es la falta de suficientes estudios
comparativos de los momentos históricos literarios que se vivieron
paralelamente en nuestro país y en el vecino país del Brasil. Pareciera
ser que quizás la distancia lingüística -que no debería ser tal
entendiendo que abundantemente se lee literatura inglesa y francesa-
han generado distancias que de no estar presentes podrían mostrarnos
cuán en común hay entre los dos países en los acontecimientos y
movimientos literarios vividos durante el siglo XX. Y sobre todo
con relación al movimiento de la vanguardia, llamado en el Brasil
"modernismo". Porque los estudios comparativos de la vanguardia
latinoamericana son abundantes y muchos de ellos generados desde
distintas y fructíferas perspectivas. En contraposición con esto
los estudios comparativos entre la vanguardia latinoamericana y
el modernismo brasileño son escasos o prácticamente inexistentes.
Este trabajo no busca hacer una investigación profunda del modernismo
brasileño. Pero sí generar una visión panorámica de tres momentos
fundamentales partiendo de la Semana de Arte Moderno y culminando
con Jao Cabral de Melo Neto, y analizar las características de escritores
que elegidos de una forma arbitraria podrían representar a estos
momentos.
Uno
de los tantos atributos de la vanguardia, en general y no sólo en
el caso de algún movimiento regional, fue su posibilidad de trascender
los espacios netamente nacionales y encontrar reflejos de sus propios
intereses en diferentes expresiones de ésta que surgieron mayoritariamente
en Europa. Inequívocamente Europa será -por lo menos desde la perspectiva
latinoamericana- hacia donde se mirará para de alguna forma "alimentar"
los movimientos surgidos nacionalmente. Bien podrían ser recordadas
en este contexto las ideas de Walter Mignolo al hablar en su trabajo
"Globalization, Civilization Processes and the Relocation of Language
and Culture" de la expansión colonial a lo largo de la historia, no
en sí como un acto globalizante que una distintos puntos del planeta,
sino como una globalización del euro centralismo. La vanguardia de
alguna forma se generó en un marco similar. Los movimientos más importantes
-ya sea el existencialismo alemán, el surrealismo francés o el futurismo
italiano- si bien no nacieron en el centro de las grandes urbes de
los más grandes países industrializados -quizás pensando en Inglaterra
y Estados Unidos como grandes centros- tomaron a las metrópolis periféricas
de la Europa de principios de siglo como centro de estos nuevos movimientos
juveniles. Por su parte, los movimientos latinoamericanos tomaron
estas ideas y las implementaron en sus propias urbes, a su manera
y con estilos propios, pero partiendo de este concepto de centro y
re-pensándose a sí mismos dentro de estos parámetros. Hubo excepciones
y muchos de ellas se caracterizaron por su gran nacionalismo y/o enarbolar
un regionalismo que los distanciara de las ideas europeas. Pero ya
sea a favor o en contra, se hizo arte en pro u oposición de este centro,
ya sea consciente y abiertamente, o indirectamente o como simple decisión
contextual.
Quizás
uno de los ejemplos más interesantes -en esta relación de pro y contra
los movimientos europeos- de la vanguardia de los años 20s en América
sea el ejemplo de la vanguardia "modernista" brasileña.
En este trabajo analizaremos dos momentos en este movimiento brasilero:
el primero en torno a la Semana de Arte Moderno en Sao Pablo y el
segundo con relación a la generación de los años 40s, teniendo a Drummond
como figura predominante. Por último hablaremos de João Cabral de
Melo Neto, quien de alguna forma cerrará el círculo con un cierto
neorrealismo
Primera
Parte
Si hubiese
que identificar una fecha histórica que marque un comienzo "oficial"
-si se pudiese usar este termino- en la historia del modernismo brasileño,
ésta sería la Semana de Arte Moderno. De este suceso histórico que
se presentó en Sao Pablo, podríamos rescatar algunos nombres. En el
campo de la pintura resaltarán los nombres de Anita Malfati, Di Cavalcanti
y Tracila do Amaral. En las letras encontramos a Menotti de Piccina,
Graça Aranha y Mario de Andrade. Pero si bien la Semana de Arte Moderno
marca una acontecimiento histórico -que de alguna forma determina
un comienzo público y oficial de este grupo de vanguardia presente
sobre todo en Sao Pablo- no quita esto que desde ya antes hubiera
casos de artistas que estaban experimentando con estéticas relacionadas
directamente con la vanguardia europea. Este fenómeno y cambio, que
cortará con las líneas parnasianas y simbolistas -en términos generales-
comienza con las experiencias de muchos de los artistas en visitas
al viejo continente. Por ejemplo, Oswald de Andrade conocerá en París
el futurismo de Marinetti proclamado en las páginas del Figaro,
en aquel tan conocido manifiesto fundacional de 1909; Ronald de Carvalho,
por su lado, trabajará en la revista futurista portuguesa Orfeo.
Pero quizás el trabajo cultural más importante lo podemos ver en Anita
Malfatti en su exposición de 1917 (Bosi, 332-333).
La Semana
de Arte Moderno será el acontecimiento que entre el 11 y 18 de febrero
de 1922 juntará a todos estos experimentadores del arte nuevo, en
un acontecimiento oficial propuesto por el estado de Sao Pablo. Dentro
de la semana, se expusieron obras de pintura, poesía, música y lectura
de manifiestos. Quisiera detenerme aquí para prestar especial atención
a dos manifiestos leídos en la semana: el de Graça Aranha "A emoção
estética na arte moderna", y el de Menotti del Picchia, "Arte moderna".
Graça
Aranha "A emoção estética na arte moderna"
Este
manifiesto fue leído el 15 de febrero de 1922. Éste proclama una defensa
del Arte Moderno, arte que por sus propias características innovadoras,
según Aranha, causa horror a los conservadores. Aranha partirá de
una pregunta fundamental para la esfera de la estética artística:
¿qué es lo bello? En respuesta a esta pregunta propondrá algunas ideas:
- Lo
bello no tiene una respuesta definitiva en el campo estético, el
arte es independiente de estos conceptos.
- Hay
una fuerte relación entre el arte y la superación cósmica, de ahí
que el arte transforme y nos lleve a espacios diferentes. El hombre
es un animal artístico.
- El
arte no genera anécdotas, pero sí sentimientos inefables.
- Cada
uno es un creador de imágenes subjetivas, de ahí que el arte reciba
las manifestaciones culturales del espíritu humano.
- El
arte moderno es subjetivo y libre, este propone un subjetivismo
enmarañado que se expresa ahora avasalladoramente. Este subjetivismo
es tan fuerte que se transforma en un objetivismo desinteresado.
- Hay
que ir en contra de la tiranía de la moda.
Al leer
el manifiesto de Aranha, uno no puede dejar de escuchar el eco de
las ideas de vanguardia europeas. Más, para que no quede ninguna duda
en el mismo manifiesto se nombrarán movimientos como el Dadaismo,
y artistas europeas como Debussy, Cézanne, Eric Satie. Lo interesante
en esta alineación de Aranha es que se plantea un punto fundamental
en las escuelas de vanguardia: en este campo de artistas y movimientos
queda claro que cada uno está haciendo algo distinto ya que responden
a su llamado interior con su propia subjetividad. Es importante este
concepto que ya ha sido trabajado por analistas del movimiento de
vanguardia -como el caso de Peter Bürger en su libro Teoría de
la Vanguardia. Bürger dirá que en sí no hay un Dadaísmo o un Cubismo,
sino un movimiento heterogéneo de vanguardia. Esto se alinea con lo
que estaba proponiendo Aranha muchos años antes. Es decir que si hay
algo que caracteriza a los movimientos modernistas brasileños, será
su polifonía y distintas formas de encarar esta reconstrucción del
concepto de lo estéticamente artístico.
Por otro
lado Aranha reconoce que en Brasil, existe una tema común, que es
un cierto lirismo triste, una melancolía racial que provoca un humor
sarcástico; un arte de los vencidos en términos de la imitación que
genera un producto artificial. Pero hay quienes se liberan de estas
ideas. Nombra a dos poetas que han logrado trascender este problema:
Guilherme de Almeida y Ronald de Carvalho. Para Aranha, los nombres
de la "renovación" serán los de Villa-Lobos, las esculturas de Brecheret
y la pintura de Di Cavalcanti, Anita Malfati, Vicente do Rego Monteiro
y Zin Aita. Parte de su interpretación y afirmación de los trabajos
de estos artistas irá de la mano de una línea que va en contra del
academicismo, arcaísmo y provincialismo
Menotti
del Picchia, "Arte Moderna"
El segundo
manifiesto que analizaremos es el de Menotti del Picchia que fue leído
la noche del 17 de febrero. El manifiesto de Picchia -así como el
de Aranha- cuenta con ideas inseparables del contexto de la vanguardia
europea; sobre todo del futurismo.
Estas
ideas serán:
- Directa
alusión al movimiento (velocidad) y al "urbanismo estético".
- Propuesta
de los que son: "escándalo" y aceptación de este desafío.
- Corte
con el romanticismo: "mejor que una princesa es una dactilógrafa".
Dirá que se terminó la "mujer fatal", la nueva mujer es una mujer
activa y "secretaria", independiente que "baila tango"
- Quieren:
velocidad, liberación obrera, idealismo, tecnología (ventiladores,
aeroplanos, chimeneas)
Todos
estos conceptos son prácticamente los mismos que los del manifiesto
de Marinetti. Por otro lado, este fuerte discurso futurista está junto
a una inmediata negación de ser encasillado en este único movimiento:
"No me gusta esta escuela", y afirma que "nunca fuimos futuristas".
Esto, en relación con otras vanguardias latinoamericanas, será una
particularidad muy evidente en el modernismo brasileño. Y pensemos
esto como un presagio de las ideas del "Manifesto antropófogo" de
Oswald de Andrade, del 1 de mayo de 1928; el alimentarse de una cultura
pero al mismo tiempo no convertirse en ésta. Otros de los conceptos
presentes en este manifiesto serán:
- La
nueva estética es como una nebulosa que dará a luz un nuevo mundo.
No somos el alfa de la nueva generación, sino el omega de la anterior.
- Liberación
de las artes de la presión académica, cambios en la métrica y la
forma por ejemplo del verso. Basta de Zola, Wilde o Verlaine. Una
nueva escritura eléctrica y con sangre. Una nueva escritura brasileña.
- Burla
de la opera y de los parnasianos. Basta de las tragedias homéricas.
El nuevo drama es una ciudad como un pulpo, con miles de personas
y problemas socioeconómicos, lleno de nuevas tecnologías urbanas.
Partiendo
de estas ideas vistas en los manifiestos, veamos ahora como esto se
presentó en la poesía de su momento; tratemos de encontrar ecos en
los distintos escritores del momento.
Manuel
Bandera (1886-1968)
Manuel
bandera será el más viejo de los poetas de este primer momento. De
ahí que parte de su poesía tenga en muchos momentos ecos neoclásicos
-por ejemplo la imagen del jardín- no tan presentes en otros escritores
de su generación asociados al modernismo. Pero por otro lado este
neoclasicismo es cortado en muchos momentos por una profunda ironía.
Un ejemplo de esto se puede ver en su poema "Pensão Familiar", donde
no sólo encontramos un ataque a la burguesía, sino una mutación de
la imagen clásica del jardín por algo banal: "un gatito hace pipi".
Se ha visto en su poesía influencia del surrealismo, en conceptos
como el irracionalismo de base. Pero si hubiese algo que rescatar
en relación con la vanguardia en general es su fuerte agresión a la
línea parnasiana. Esto se ve claramente en el poema "Os sapos". Por
último podrimos agregar que un tema particular en de Bandera es "la
muerte". Esto se ve en el poema "Pneumotorax", en donde el paciente
en diálogo con un médico que lo trata de una afección pulmonar -problema
que en la realidad tenía Bandera- recibe el nefasto consejo de prepararse
para la muerte, que en el poema es representado por el tango argentino.
Pero la ironía de la poesía de Bandera puede ser vista en la propia
vida del poeta, quien se preparó para la muerte toda su vida y en
lugar de morir joven, tuvo una vida mucho más longeva que sus compañeros
de causa.
Oswald
de Andrade (1890-1954)
Oswald
será quizás el más significativo de su momento. No tanto por la producción
poética, sino por sus ideas sobre la antropofagia cultural. Se ha
dicho que ha sido mucho más importante su papel en la "militancia"
vanguardista que en su producción poética. Pero exagerar esta idea
sería una injusticia para con algunas de sus obras, como por ejemplo
su trabajo Pau Brasil. Oswald creía en una estética reductora,
una poesía en contra de la estética áurica parnasiana. Pondrá atención
en algo que caracterizará mucho a otros poetas de vanguardia, el énfasis
en el ojo del poeta que como una cámara irá fotografiando-filmando
la realidad que le rodea. Propondrá el concepto de una naturalidad
salvaje que ya había sido propuesta por los surrealistas. Pero en
lugar de tomar patrones europeas, pondrá absoluto énfasis en la creación
de una estética netamente nacional. Todo Pau Brasil sustenta
esta idea. Su obra contará con poemas cortos y directos; cortos en
medida y cargados de elementos netamente nacionales como por ejemplo
el carnaval, los barrios pobres, las riquezas vegetales. Irá también
a lo regional, a describir el paisaje minero. Será evidente el proyecto
de re-escribir la nación, partiendo de momentos históricos que serán
significativos en la historia del Brasil. Pero si bien el proyecto
es netamente nacional, no se priva de introducir elementos de indudable
contexto europeo, como por ejemplo el de la flaneur en "Postes
da light". En el "Manifiesto da Poesía Pau-Brasil" (18 de marzo de
1924) Oswald propondrá su propia interpretación de lo que es en sí
la poesía. Dirá que la poesía existe en los eventos, es ágil y cándida.
Ésta existe, como ya hemos mencionado, en las cosas simples de la
vida brasileña, no en espacios áuricos y sublimes. En este enunciado
podemos ver el claro corte con la estética parnasiana, que fue un
pregonar prácticamente indistinto en los artistas del movimiento modernista.
Dirá también Oswald que la poesía está relacionada con cierta ingenuidad,
con un cierto "no saber" que va en contra de lo culto y de la academia.
También planteará hay que exaltar la originalidad nativa para contrarrestar
la academia. El lenguaje poético tiene que carecer de arcaísmo, simple:
fruto de mil errores. Una "poesía como somos", dirá Oswald. Propondrá
también un no a la poesía importada, y un sí a la poesía brasileña
de exportación. Por último tomará elementos que son ya no exclusivos
de la vanguardia brasileña, que será la exaltación a la máquina y
a la fotografía porque es un arte que atrapa lo casual. Ya llegando
al final, Oswald propondrá que la nueva estética nacerá de la "rotación
dinámica de los factores destructivos". Hay que sustituir la perspectiva
naturalista (realista) por una perspectiva irónica, intelectual, ingenua
y sentimental. Terminará proponiendo de una forma metafórica lo incompleto
de movimientos como el futurismo al enunciar que el trabajo de las
generaciones futuristas fue "ciclópico".
El otro
gran manifiesto de Oswald -y quizás la idea más original y productiva
de la vanguardia Brasileña y Latinoamericana- es el "Manifesto antropófogo",
1 de mayo de 1928. Oswald formulará en este manifiesto de una forma
violentamente militante y con momentos que nos hacen recordar a las
expresiones fuertes de Marinetti, que lo que une a la sociedad brasileña
en su totalidad es una antropofagia: social, económica y filosófica.
En el marco de su famosa frase "Tupy of not tupy, that is the question"
Oswald describe su concepto de lo que es un antropófago:
- Una
visión del mundo Anti-eclesiástica, ya que "nunca fuimos catequizados,
vimos nacer a Cristo en Belen do Pará".
- Un
ser absolutamente natural, que no admite el nacimiento de la lógica.
Un ser natural que es la transformación del tabú en tótem.
- Un
ser que no reconoce lo urbano, suburbano o rural; un ser que rompe
con espacios.
Dirá
también Oswald algo que en sí no justificará sus ideas. Rechazará
primero a los importadores de teorías enlatadas y culturas europeas
en general: no a Napoleón o César. Por otro lado las justificará al
constantemente hacer referencia a Freud: al decir que Freud acabó
con el enigma de la mujer (medusa, vampira romántica) en relación
directa con el psicoanálisis. Algo similar ocurre cuando habla de
una antropofagia carnal, sexual y catártica; y que ya teníamos en
América el comunismo y la lengua surrealista antes de que llegaran
los europeos. Por último, expone que el espíritu local es fuerte
ya que se está comiendo las culturas europeas; lo que es de alguna
forma una imagen bastante nietzscheana en relaciona a la idea del
"súper hombre".
Segunda
Parte
La segunda
parte estará representada por una generación de escritores de la semana.
Notamos ya en esta generación una cierta madurez poética. La lucha
que se presentó en un primer momento de ruptura con la estética anterior,
ahora florece en escritores que exponen proyectos que ya no tienen
que enfatizar en la negación del pasado, sino que pueden darse el
espacio para proponer sus propios estilos sin el énfasis en el compromiso
militante que la vanguardia exigía. Tres grandes representantes de
este momento serán Cacilia Meireles, Murilo Mendes y Drumond de Andrade.
Cecilia
Meireles (1901-1964)
Cecilia
Meireles ofrecerá a las distintas gamas de la estética modernista
brasileña la visión intimista, la búsqueda de músicas abstractas
escondidas en el lenguaje poético. Cecilia partirá en su trabajo desde
lo indefinido, alejándose de lo real inmediato, y generando sus poemas
desde por ejemplo sentimientos relacionados con la ausencia o la nada.
Los elementos neo simbolistas son muy presentes en su trabajo, al
entender la poesía como un "sentimiento transformador en imágenes".
(Bosi, p.461)
Drummond
de Andrade (1902-1987)
Drummond
será quizás el poeta que vaya más lejos en el campo de la poesía en
su generación, el poeta que trabajará con agudeza espacios como el
intervalo que puede haber entre las convenciones sociales y la realidad.
Esto produjo un distanciamiento en Drummond, que le permitió construir
su poesía desde la negación, desde la actividades lúdicas de la razón
dando espacio a un "arsenal de cosas concretas" (Bosi, p. 440). El
mundo de Drummond será nihilista, cargado de tedio, un mundo en el
cual -según Nunes- el tema presente será la duda, una duda sobre sí
mismo. Drummond tomará el tema simple y al mismo tiempo complejo de
la cotidianidad humana, hablará de los errores, de la caída de ese
"yo" que juzga y se equivoca. Recordemos el caso del poema "no meio
do caminho", la musicalidad del poema proponiendo una línea repetitiva
hará referencia a la concepción de tropezar más de una vez con la
misma piedra. Drummond irá a lo más intimo de la psicología humana.
En el poema "Congresso internacional do miedo", el miedo es lo que
queda después de la agresión, de la bronca, lo que queda después del
horror de la dictadura, la guerra; realidades mundiales de su tiempo
a las que Drummond prestó mucha atención.
Murilo
Mendes (1901-1975)
Mendes,
poeta minero, tomará el camino de construir su poesía desde otra perspectiva,
la inspiración desde lo fantástico. Incluirá temas como la religión,
climas oníricos, ligazón del hombre con la totalidad. Trabajará también
el tema de la libertad, el eterno femenino y la representación repetida
de estas fuerzas desde imágenes como el mar. Tenía una obsesión con
el mundo caótico y este tema se complementó con su visión onírica
alucinatoria, tema que se acoplará a su idea de transmitir mensajes
por medio de la imagen. Entre sus poemas más conocidos se encuentra
"Corrente continua", en donde la voz poética es una llamada a las
hadas y los seres mitológicos, todo esto como una búsqueda de fuerzas
inspirativas. Dirá en un momento "não estrangulem as lendas", como
una alerta a la pérdida del poder de lo mítico en la cultura moderna.
En "R", la imagen erótica femenina se hace presente como un motor
de la energía estética. La imagen de la mujer no es real, sino sagrada,
el cuerpo físico tendrá una relevancia mínima. Habrá una gran ingenuidad
estética de la visión del mundo, ingenuidad quizás intencional. Esta
ingenuidad de desconexión con el mundo real se verá también en otro
poema de Mendes: "Armilvadra", en donde se proclama que el tiempo
es el mismo, una resistencia a las fuerzas corrosivas del tiempo;
fuerzas que a las cuales el poeta en un comienzo del poema se resiste,
para al final sucumbir. La potencialidad de la imagen en Mendes será
un gran aporte a la literatura brasileña, aporte que se podrá ver
en João Cabral de Melo Neto.
João
Cabral de Melo Neto (1920)
Melo
Neto tendría que ser ubicado en una tercera parte del movimiento vanguardista
brasileño ya que tenía tan sólo dos años cuando se concretó la Semana
de Arte Moderno en Sao Pablo. João Cabral será el poeta que definitivamente
se mueva a otra esfera que será ya independiente de los ideales militantes
de los poetas de principio de siglo. La necesidad de cortar con ciertas
técnicas realistas, no serán una prioridad para el poeta. De ahí
que veremos una vuelta a una nueva objetividad. Esta vuelta al objeto
llevara a pensar en la presencia de un neo-realismo en João Cabral.
Pero al mismo tiempo habrá presente una continuidad con los poetas
de los 20's y 30's en por ejemplo encontrar en su poesía un desprendimiento
con el sentimentalismo. João Cabral trabajará el tema de la intuición
de las formas, en la sensación de los objetos que delimitan el mundo
moderno. Esto hará evidente los resabios surrealistas presentes en
su poesía.
Alguno
de sus poemas más conocidos será "A Lição de Poesia", en donde se
trabaja el horror de la hoja en blanco para el poeta, los sueños,
contradicciones entre lo que se mueve y lo que está quieto. De ahí
que el poema se presente al final como una máquina puesta en movimiento
que re-escribe la realidad. El movimiento se verá también en "Porto
dos cavalos" en donde el movimiento será en el río, y no en el observador
como se ve en la vanguardia de los 20's. El tema de lo regional estará
presente en poemas como "Cementerio Pernambucano" en donde en sí la
imagen regional será una mascara de la verdadera protesta a la corrupción
política.
A
modo de conclusión
Brasil
estuvo al tanto de los acontecimientos históricos que el mundo de
las artes vivió a principios del siglo XX. La Semana de Arte Moderno
fue una respuesta de los artistas brasileños a los que estaba pasando
simultáneamente en otros países. Por ejemplo, como dirá Vicky Unruh
en su libro Latin American vanguards, para los vanguardistas
la búsqueda esta en ir más allá del lenguaje, encontrar un estadio
pre-verbal desde el cual se puede construir un proyecto estético absolutamente
nuevo; encontrar el "ground zero". Hay que llegar a una estado no-lógico,
y por esto hay que desconfiar del sistema del lenguaje. Hay que producir
una obra "nonorganic". Esto se vio presente en poetas como Mario de
Andrade (1893-19450) quien proponía como los surrealistas la inutilidad
del texto, y liberar las zonas oscuras del inconsciente.
Francine
Masiello, en su libro Lenguaje e ideología : las escuelas argentinas
de vanguardia, en el capítulo "Contra la naturaleza: el paisaje
de la vanguardia" (Cap. IV), dirá que el texto de vanguardia propone
una temporaria alianza entre el objeto y el "yo" observante. Este
fenómeno se ve en muchos casos de la vanguardia brasileña, y uno de
los ejemplos concretos podría ser la pintura de Tarcila do Amaral,
"Abaporu". La perspectiva del observador es fundamental, proyecto
que encaja directamente con la idea de dialogo entre el pintor y el
observante. Esta característica de diálogo en la obra de arte sobre
el arte mismo fue muy bien analizado por Peter Bürger en su libro
Teoría de la Vanguardia.
Todos
estos elementos presentes en la vanguardia brasileña, muchos de ellos
tomados de corrientes estéticas europeas, se enmarcan en un proyecto
antropofágico. En este proceso de digerir técnicas e ideas extranjeras
se propuso al mismo tiempo la posibilidad de crear algo nuevo; resultado
que negaba su centro de procedencia y al mismo tiempo lo justificaba
en su propia incorporación.
Berkeley,
Mayo del 2002
Juan
Cano Ballesta, "El himno a la máquina: poética del futurismo" de
Literatura y tecnología (Capítulo II).
Alfredo
Bosi, "La Parábola de la vanguardia latinoamericana"
Peter
Bürger, "The Avant-Gardiste Work of Art", de Theory of the Avant-Garde
(Cap III)
Francine
Masiello, "Contra la naturaleza: el paisaje de la vanguardia" (cap
IV)
y "El signo enjuiciado: el yo dividido" (cap V) de Lenguaje e
ideología : las escuelas argentinas de vanguardia.
Walter
Mignolo, "Globalization, Civilization Processes and the Relocation
of Language and Culture"
Beatriz
Resende, "Brazilian Modernism: The Canonized Revolution",
de Through
the Kaleidoscope, Edited and Introduced by Vivian Schelling.
Vicky
Unruh, "From Early Words to the Vernacular Inflection: Vanguard
tales of
Linguistic Encounter". From Latin American Vanguards.
Hugo
Verani, "Las Vanguardias literarias en Hispanoamérica"
